Rock en México

El cuarteto del millon

Gracias al buen amigo Juan Antonio Salazar por el texto... y de la foto, solo queda vivo el gran Jerry Lee Lewis...

"El disco más misterioso del rock and roll fue una leyenda durante 25 años. Un mito del que muchos hablaban y nadie conocía. Había rumores, tipos que aseguraban que habían escuchado algo o que conocían a alguien que lo había oído. Se sabe que el momento existió, lo documentó el ‘Memphis Press-Scimitar’ en un artículo de gran impacto. Había una fotografía en blanco y negro que confirmaba que el encuentro tuvo lugar una tarde de diciembre de 1956. Pero no había rastro de las canciones que en aquella velada habían tocado Elvis Presley, Johnny Cash, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis.

La realidad es que aquella tarde existió, fue un encuentro fortuito en el estudio de Sun Records en Memphis, pero también un golpe magistral de Sam Phillips, el dueño del estudio que editó los primeros éxitos de Elvis y donde trabajaban el resto de artistas que se juntaron aquella tarde. El que más reforzado salió de aquella velada fue Phillips. Elvis había pasado a grabar para RCA a principios de año y su aparición en el programa de Ed Sullivan en septiembre le había coronado como el rey del rock, la estrella más grande del momento. Elvis pasó por Sun Records junto a su pareja para saludar a Sam y se quedó un rato viendo tocar a Carl Perkins, que había tenido un gran éxito ese mismo año con ‘Blue suede shoes’, tema que también cantaría Elvis.

También estaba por ahí la última joya de Sam, un chico llamado Jerry Lee Lewis que tenía 21 años, los mismos de Presley, y que editó su primer disco semanas después de aquella tarde. Y falta Cash, que andaba por el estudio desde por la mañana y que llevaba un año y medio grabando en Sun Records con notable éxito en las listas country. El encuentro fue fortuito y la decisión de entrar todos al estudio también. Poco a poco se arremolinaron junto al piano y comenzaron a improvisar un rato, a cantar canciones de góspel y viejos espirituales sureños.

Con todos esos genios en el estudio, jugando, bromeando y cantando un poco, Sam Phillips tuvo una revelación. Acababa de perder a Elvis y necesitaba consolidar su sello discográfico con nuevos nombres y darle más brillo a sus nuevas estrellas para que compensasen su pérdida. Sam no dejó pasar esa oportunidad y llamó a un periodista y a un fotógrafo para que documentasen ese encuentro. El titular de la mañana siguiente robó una sonrisa a Phillips. “El cuarteto del millón de dólares”, tituló el diario. La publicidad de ese nivel resulta cara y de difícil acceso, Sam simplemente había aprovechado la oportunidad que se cruzó delante de sus ojos.

Aunque todo el mundo era consciente de que aquello había sucedido, nadie sabía si había sido grabado. Durante años se especuló con lo que podrían haber tocado aquellos genios. Sobre todo cuando las carreras de cada uno de los artistas de aquel cuarteto millonario despegaron sin freno al estrellato. Hasta la irrupción en Estados Unidos de los Beatles, no hubo artistas más exitosos que ellos. Aquella tarde y su misteriosa grabación comenzó a tomar forma de leyenda, era la cinta más buscada del rock, el primer súper grupo de la música.

Todo el ojo que tuvo Phillips para usar la publicidad de ese encuentro le faltó a la hora de rentabilizar aquella hora de grabación. El dueño de Sun Records no hizo nada con aquellas cintas, incluso las perdió. Pasaron años entre cajas y rodeada de descartes de otras sesiones.

Don't Be Cruel

En 1969 el productor Shelby Singleton compró Sun Records y cedió las licencias a un sello inglés especializado en reediciones. Ambos sellos comenzaron a bucear en las decenas de cientos de horas de material hasta que por casualidad dieron con una primera cinta en la que aparecía el famoso cuarteto del millón de dólares. En 1981 se editó en Europa un primer avance titulado ‘The Million Dollar Quartet’. Apenas eran 17 canciones, casi ninguna completa, de cantos espirituales sureños.

Habría que esperar seis años más para escuchar la grabación completa y hasta 2006 –por su cincuenta aniversario- para escucharlas en el orden original, para escuchar esa velada tal y como sucedió, sus 47 cortes de charlas, versiones, villancicos, improvisaciones y bromas. Un material que complica la edición de un álbum convencional ya que pocos temas aparecen completos y bien tocados –quizá eso es lo que ahuyentó a Phillips- pero que por otro lado muestra a estos cuatro artistas en la intimidad del estudio. Cuatro chicos jóvenes –Elvis y Lewis tenían 21 años y Cash y Perkins tres más- que estaban cambiado la historia del rock and roll. Cuatro músicos que apenas estaban empezando y que dejaron sus egos a un lado para tocar un rato juntos, viejas canciones, los éxitos de unos y otros. Un encuentro amistoso y sin pretensiones que terminó siendo una de las grandes leyendas del rock y que tuvo a decenas de melómanos buscando durante años las canciones que se encontraban detrás de una fotografía.

Escuchar casi 60 años después esas grabaciones completas es una experiencia extraña. No es un disco al uso ni nadie pretendió nunca darle salida comercial. Apenas hay canciones enteras y, sin embargo, la experiencia merece la pena aunque sea como un juego un tanto voyeur. Apagar las luces, servirse un whisky y poner el disco con el volumen lo suficientemente alto para apreciar los detalles es una experiencia especial. Poco a poco, y gracias al silencio y la soledad, uno va sintiéndose parte de ese encuentro, como si estuviese agazapado en un rincón del estudio sin decir palabra, deseando no ser descubierto. Ante nosotros se va desvelando la intimidad de esos artistas. El trabajo no tiene entidad musical para entenderse como un álbum conjunto, pero tiene interés por hacerte partícipe de ese momento histórico, por escuchar a esas cuatro leyendas de la música jugar con canciones como ‘Crazy arms’, ‘Paralize’ o ‘Dont be cruel’.

Crazy Arms

Paralysed

Aquella velada de diciembre de 1956 sentó las bases de lo que serían los súper grupos, los encuentros entre grandes nombres de la música. En 1982 hubo un nuevo encuentro bautizado como ‘The survivors live’, un disco en directo grabado en Alemania en el que participaron Perkins, Lewis y Cash. Elvis había muerto en 1977. A aquel disco le siguió otro grabado en mayo de 1985. ‘Class of 55’ cuenta con otra de las estrellas de Sun Records como Roy Orbison. Pero también faltaba Elvis. Esos dos encuentros conectaron con aquella primera reunión de 1956, cuando los cuatro grandes del rock de los cincuenta coincidieron en el estudio de Memphis, cuando Sam Phillips tuvo la ocurrencia de la llamar a las prensa para reflejar ese momento histórico con un reportaje y una fotografía que creó la leyenda de esas grabaciones que estuvieron perdidas durante un cuarto de siglo".

Link Wray

Hoy dedico esta entrada al gran guitarrista Link Wray... saludos: GZ (Pd. Gracias a mi buen amigo Juan Antonio Salazar por el texto)

"Veamos que dice el escritor e investigador del rock, el catalán Jordi Sierra iFabria en su libro titulado “ENCICLOPEDIA HEAVY METAL” en las páginas 19 y 20 sobre el personaje de el video que envio.

“En esta historia, retocediendo a través del tiempo, se ha llegado hasta Link Wray. No vais (sic) a encontrarlo en la seguna parte de esta obra. No fue Heavy, ni siquiera un duro. Pero de su guitarra sí salió el primer sonido heavy (pesado) que se recuerda.

Rumble

Run Chicken Run

Y es curioso que ese sonido lo emitiera y grabara en...1954, año en que Bill Haley y su Rock Around The Clock iniciaran la historia del rock and roll y de nuestro tiempo.

Wray nació en 1930 en Fort Bragg, en la reserva india de Shawnee, Carolina del Norte. Fue en Arizona donde comenzó a tocar la guitarra. Debutó con un grupo country y con sus hermanos Vernon y Doug formó sus primeras bandas.

Acompañó a artistas como Fats Domino y Ricky Nelson, fue productor y tras servir en la armada y pasar un año en un hospital, victima de tuberculosis, compuso y grabó “RUMBLE” en 1954, a los 24 años de edad. “Rumble” es hoy un clásico pero en su día, pasó casi desapercibido hasta que en 1958 obtuvo el disco de oro por sus ventas. Link llegó a grabar otros temas, pero su sonido no gustaba. Era “pecado” (heavy). Los años 60 se llenaron de pop y en 1965 dejó la música profesional.

Jack the Ripper

I'm Branded

 

Él y su “familia” (padres, hermanos, mujeres y 16 niños) se trasladan a una granja comunal en Maryland, donde se construyó un rudimentario estudio de grabación de 3 pistas para divertirse. En 1971, convertido en una leyenda, volvió al mundo de la música con un lp grabado en ese estudio. El resto...no importa. Como todas las leyendas, la historia fue injusta con él."

Que es el rocanrol?

Interesante texto. Gracias a Juan Antonio Salazar por compartirlo conmigo....y texto ideal para este blog. Saludos: GZ

¿Qué es el Rock & Roll?

Si buscamos la palabra rock en un diccionario o en una enciclopedia nos vendrá algo tan impreciso como: “Ritmos y bailes creados en 1956, de estilo swing, y que se ejecutan sobre ritmos de jazz a cuatro tiempos.

Su primer representante fue Elvis Presley, algo no sólo impreciso sino que también incierto ya que el rock no se creó en 1956 y aunque Elvis fue muy importante y también, porque no, principal, no fue ni su primer representante (ya que había muchos músicos anteriores a él como Fast Domino, Chuck Berry, Little Richard, Bill Haley, etc.), ni su figura más representativa ya que el rock no se basa en un solista o grupo sino en un conjunto de ellos que representan a una época determinada dentro de su evolución. 

Otros se atreven a decir que el rock es simplemente un “baile procedente de Estados Unidos que se hizo popular a partir de 1956” o un “término que designa a un conjunto de estilos musicales surgidos a principios de los años sesenta en el Reino Unido y Estados Unidos”. 

Intentando olvidar lo anteriormente analizado y con el afán de llegar a una verdadera y certera definición de rock & roll, podemos remitirnos a la introducción del libro Historia de la música pop de Salvat, en la que se describe con exactitud el momento en el que nace el rock & roll: “Un, dos, tres, cuatro... La cinta comenzó a correr, Bill se apartó el ricito de la frente y se dispuso a cantar con más ritmo y más marcha de lo que había hecho jamás. Las horas del reloj iban saliendo de su boca con un ritmo sincopado que tenía algo de boogie woogie y muy poco de rhymth and blues que intentaba emular. El lugar, el Pythian Temple Studio de Nueva York. El momento, el nacimiento oficial del rock & roll. 

Aquella canción que interpretaba Bill Haley al frente de sus Comets se titulaba “Rock around the clock”. Haley había puesto la semilla del rock & roll, pero el fruto no llegaría hasta el diecinueve de julio de 1955, en el que el tema se colocaría el número uno de las listas americanas. Después de comprobar como con un poco de esfuerzo y documentación se puede llegar a saber cómo, quién y cuándo se creó el rock & roll podemos proceder a elaborar nuestra propia definición de este estilo musical. 

Hay que tener presente ante todo que una definición tiene que ser corta, concisa y clara y, aunque tengamos información suficiente hay que prescindir de lo innecesario.  Podemos partir diciendo que el rock no es un ritmo o un baile sino que es un estilo musical que abarca muchos componentes (baile, solistas, grupos, instrumentos, ritmo, composición,...), también que comenzó exactamente el diecinueve de julio de 1955 y, como no, el ámbito mundial. Aclarado esto podemos concluir diciendo que el rock & roll es un estilo musical, con un marcado carácter anglosajón que nació en 1955 con una canción de Bill Haley titulada “Rock around the clock”, este estilo, aclamado en el ámbito mundial, está llamado a ser la “música del siglo XX”. 

Para finalizar y como nota anecdótica se puede mencionar la expresión musical rock & roll, que unía dos términos muy utilizados en el vocabulario afronorteamericano para designar cambios en el tiempo y de posición tanto en el baile como en las relaciones sexuales, apareció por primera vez en Cleveland, en un programa de radio "sólo para negros" retransmitido por Alan Freed. El rock pierde con los años el marcado carácter anglosajón de sus comienzos para transformarse en un lenguaje universal sometido a un continuo cambio. 

Hay que hacer una diferencia clara entre rock & roll y rock. La diferencia entre ambos términos radica en el tiempo, es decir, según la época en la que nos encontremos usaremos las palabras rock & roll o rock. Mientras que el término rock & roll fue utilizado durante la década de los 50, la palabra rock se usó a partir de 1960 (cuando el rock perdió su roll). 

Al surgir de un modo espectacular y desarrollarse en principio como un fenómeno de masas que trastornó la vida y los ideales de América, no puede considerarse como un movimiento musical en sentido estricto ya que más allá del fenómeno musical, el rock & roll marcó un acontecimiento sociológico nuevo: la aparición de un nuevo grupo social constituido por jóvenes con una cultura propia. Desde mediados de los años cincuenta hasta nuestros días sólo el rock ha proporcionado a gran parte de las masas de jóvenes la posibilidad de experimentar lo sublime. La mundialización del rock sobre los jóvenes ha sido determinante para la recepción de sensaciones. 

La faceta visual del rock, es decir, imagen escénica, modo de vida de sus estrellas, portadas de sus discos y letras de sus canciones, encajan casi con absoluta perfección dentro de casi todos los estilos propios de la cultura visual y literaria de las vanguardias; en este sentido constituye un movimiento profundamente romántico donde podemos localizar elementos del nihilismo, el vitalismo, el existencialismo y el compromiso político contracultural; formalmente ha sufrido las influencias del parnasianismo, el futurismo, el cubismo, el dadaísmo, el ultraísmo, el creacionismo, el surrealismo y el realismo social. Desde este punto de vista, el rock no parece presentar demasiados problemas al mundo del arte y la literatura modernas.  El éxito de la música rock ha estribado en gran parte en cubrir un arco donde todo es posible y donde la norma no existe. El rock es anómico (ausencia de ley), no implica límites y tampoco centro, dirección, estructura u obligación de sentido. Por tanto se trata de una obra abierta, integradora y antagónica con los apocalípticos de la música clásica. 

Existe un hecho central en el rock: es una música esencialmente americana. No es una música centroeuropea y por tanto no es una música civilizada y culta; y para colmo de males se ha cruzado con el Dios pagano del mundo occidental, es decir la ciencia, o sea, la electroacústica. En fin, es contemplado como una música primitiva a la que sólo los etnomusicólogos deberían prestarle atención. El rock, pues, es una vuelta a los orígenes, el retorno a lo primitivo, a lo antiguo, a la naturaleza, a la simplicidad (quizá a la pureza). No es de extrañar, por tanto, que en los años cincuenta, en algunas ciudades de los Estados Unidos se prohibiesen conciertos de rock en directo, o, sin ir más lejos, en la Europa del socialismo real.

De este modo es fácil deducir que el rock resulta una manifestación musical y visual antagónica con cualquier forma de positivismo duro e integrismo cultural o religioso, en fin, una corriente cultural nietzscheana, dionísiaca, antiplatónica y contracultural, donde la sensación, la percepción y el hedonismo sonoro definen este tipo de música. El rock aparece como una forma de existencialismo musical que exige formatos atomizados, diseminados, ritmados y dispersos donde se acepta ese fragmento temporal sin conexión sinfónica con el ayer o el mañana, sin continuidad y sin estructuras o esencias que liguen distintos momentos de una misma expresión sonora. 

El escaso rock de calidad, a veces popular otras veces sorprendentemente minoritario, aún trabajando en el marco general de ritmos y melodías sencillas, está salpicado de momento, compases, notas, instantes e inesperadas aportaciones innovadoras que coinciden plenamente con las aportaciones vertidas por la música clásica de vanguardia. 

En la actualidad el rock sigue siendo un enorme cajón de diversos géneros y estilos, entre los que resulta difíciles encontrar un denominador común; simplemente se trata de una música electrónica de ritmo binario que se dirige a un público joven. Por encima de todo constituye una verdadera cultura cuyas manifestaciones abarcan la escritura, el cine, la fotografía y la moda además de la música.

Sus raíces son tan plurales que sintetizan las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, sobre todo el rhythm and blues, el jazz, el gospel y el country. La música rock es elemental, primitiva y su letra es sencilla y pegadiza; todo ello corresponde al mundo de hoy, al mundo de la velocidad y del predominio de la imagen, a un mundo que solicita reacciones directas e inmediatas.

Ricky Nelson

Les dejo esta reseña del gran cantante de rock y algo de country desde los años 50. Gracias a mi buen amigo Lalo Martínez por la misma. Saludos: GZ

Ricky Nelson

Nació el 8 de mayo de 1940 en Teaneck, Nueva Jersey. Estados Unidos. Hijo de artistas, su padre fue Ozzie Nelson, líder de su propia banda, y su madre la cantante Harriet Hilliard. 

Ozzie Nelson, tras haber sido director de una orquesta de jazz en los años treinta, empezó a dedicarse a la radio desde 1944. La primera idea con éxito fue la de realizar un programa familiar con su mujer Harriet, actriz y cantante (The Advenfures of Ozzie and Harriet).

Hello Mary Lou

 

I'm Walkin'

En 1949, entraron a formar parte del reparto los dos hijos, Ricky y David. Visto el éxito conseguido, en 1952 el programa fue adaptado para televisión, donde fue programado hasta 1965; la familia participó también en una película: Llegan los Nelson. Así cuando en 1956 el joven Ricky le pidió a su padre que lo ayudara a grabar discos, cosa que parecía natural: Ricky ya era un ídolo. Ozzie Nelson hizo las llamadas necesarias y Ricky firmó un contrato con la compañía Verve para grabar tres canciones.

Ricky quería incluir en la cara A su versión personal de 'l'm walking', de Fats Domino, pero tanto su padre como Verve preferían una dulce balada titulada 'A teenager's romance', para aprovechar la fama televisiva de la que Ricky gozaba entre el público de los espectáculos «para la familia». Lo convencieron, pero, para sorpresa de todos, ambas caras del disco llegaron al Top 20 americano en 1957, vendiendo un millón de copias.

Believe what you say

 

Lonesome Town

En suma, Ricky Nelson fue aceptado como roquero y como ídolo romántico de los adolescentes. Los contrastes en el estilo y en la línea musical entre las dos caras del primer disco de Nelson estarían presentes en toda su producción futura. La tendencia romántica y conmovedora de las baladas como 'A teenager's romance' sugería un futuro de ídolo «prefabricado» para adolescentes, una buena imagen para vender discos.

Por el contrario, 'l'm walking', aunque no posee el espíritu rockabilly de Presley o de Perkins (por otra parte, Nelson venía de una familia de clase media y no de una pobre del Sur), revela ese entusiasmo y esa alegría de ser joven y vital del rock'n'roll blanco de la época.

De cualquier manera, el interés de Verve por que Nelson se convirtiera sólo en un ídolo romántico se reveló del todo cuanto se realizó la presentación del segundo disco, 'You're my one and only love', otro tierno mensaje de amor. Nelson sufrió una desilusión, también porque las ventas no alcanzaron los niveles del disco anterior. Pero a la vuelta de la esquina estaba su salvación, llamada Lew Chudd.

String along

Era el jefe de Imperial Records, la firma para la que Fats Domino había grabado la versión original de 'l'm walking'. Nelson firmó con Chudd un contrato que duraría siete años, colocando 36 discos de Imperial en el Top 100.

El primer movimiento de Chudd fue endurecer el sonido de Nelson, y para hacerlo llamó a un grupo de verdaderos profesionales: James Kirkland al bajo, sustituido más tarde por Joe Osborne, Butch White (y en adelante Ritchie Frost) a la batería, Cene Garth al piano y James Burton a la guitarra. Junto a Scotty Moore y a Carl Perkins, James Burton era el más puro guitarrista de rockabilly «sudista».

Su trabajo con Nelson y con otros artistas de la Costa Oeste a través de los años cincuenta y sesenta antes de convertirse en líder del grupo que acompañaba a Elvis en los años setenta, contribuyó a mantener vivo el rockabilly a través del tiempo. Gracias a su guitarra solista, la forma pulida y precisa de cantar de Nelson encontró un perfecto equilibrio. El grupo logró así sentar las bases de aquella síntesis de country, rockabilly y rock'n'roll que sería la marca distintiva de todos los músicos country de la Costa Oeste.

Además, Nelson tuvo el acierto de descubrir nuevos talentos entre los autores de canciones. Gente como los hermanos Burnette que, juntos o por separado, crearon para Nelson canciones como 'Waiting in school' en 1957, 'Believe what you say', en 1958, canción que se convirtió, diez años más tarde, en el tema conductor del redescubrimiento de Nelson como cantante country-rock, 'It's late' y 'Long vacation', en 1958, y 'My one desire', en 1960.

Gypsy woman

 

I'm in love again

Nelson grabó más de veinte canciones de Baker Knight, entre las que estaban 'Lonesome town', en 1958, 'There'll never be anyone else but you', en 1959, y canciones de su productor, Jerry Fuller, como 'Travellin' man', en 1961, y de Gene Pitney ('Hello Mary Lou'), también en 1961. Con la excepción de las canciones creadas por los hermanos Burnette, el trabajo de Nelson para Imperial se caracterizaba por el mismo rock vibrante de aquella tensa versión de 'l'm walking'.

También estaba el Nelson melódico de 'There'll never be anyone else but you'. Pero se avecinaba un cambio. Nelson, que hasta 1960 había sido visto como una versión edulcorada de Eddie Cochran, ahora era un ídolo que pedía más atención por parte de su público. Si había tenido éxito de pequeño en televisión, ¿por qué no probar ahora también en el cine? En 1958, puso todo su ímpetu juvenil en interpretar al pistolero Colorado en la película de Howard Hawks, Río Bravo. Particularmente conseguido fue su dúo con Dean Martin cantando 'My rifle pony and me' y, como solista, 'Cindy'. Su interpretación fue apreciada por los críticos de cine. Sin embargo, su carrera cinematográfica a partir de ese momento fue en declive. En segundo lugar le ofrecieron una película de serie B, The wackiest ship in the army.

Sorprendentemente, dada su experiencia en el mundo del espectáculo, su carrera sufrió un bajón. Una de las razones era el cada vez menor interés de Nelson por la escena musical. Pero, más probablemente, la verdadera razón tiene que buscarse en la genuina confusión en la que había caído Nelson, indeciso sobre sus ambiciones y sin un verdadero manager a sus espaldas. Nelson quería desarrollar sus propias cualidades, pero no sabía cómo: en 1961 suprimió la «y» de su nombre para parecer menos adolescente, pero sus melodías eran ya viejos clichés y «Rick» iba a ser olvidado, como el Elvis Presley de la época de la Sun Records.

Milk Cow Blues

 

Congratulations

Nelson siguió con Imperial hasta 1963, para pasar después a Decca y finalmente a MCA, donde luchó durante un par de años, susurrando baladas «adultas» como 'Fools rush in' (1963) y 'The very thought of you' (1964). El ambiente de los night-clubs lo ayudó a sobrevivir a la «invasión británica» y a la psicodelia, y con los dos álbumes que grabó en 1967, 'Bright lights and country music' y 'Country fever', tomó un nuevo camino, el del country-rock.

En 1969, Nelson abandonó finalmente el ambiente de los night-clubs y tocó en locales más rock con un grupo, The Stone Canyon Band, formado por Randy Meisner (más tarde en The Eagles), Steve Love, quien posteriormente se unió a Roger McGuinn, y Tom Brumley, procedente de The Buckaroos, de Buck Owens. Aunque la música del grupo era esencialmente country-rock, Nelson no quería limitarse, y el primer éxito de su revitalizada carrera fue una agitada versión realizada en 1969 de 'She belongs to me', de Bob Dylan. Siguieron dos inmejorables álbumes: 'Rick Nelson in concert' y, en 1970, 'Rick sings Nelson', que le procuró también otro éxito en single, 'Easy to be free'.

El álbum de 1971, 'Rudy the Fifth', era el número veintisiete de su carrera, el tercero de la renacida música country-rock. «Siempre he querido ser Carl Perkins», diría más tarde. El «nuevo» Nelson intentó mantenerse a distancia de todos los amantes nostálgicos del revival que poblaban en aquella época el universo del rock'n'roll, pero, durante un concierto benéfico en el Madison Square Garden en 1971, fue abucheado y obligado a abandonar el escenario.

Desilusión, amargura, sentimiento de impotencia. Al año siguiente, Nelson grabó 'Garden Party'. La canción que lleva el mismo título es una amarga consideración sobre la triste experiencia del año anterior: sobre una tensa línea de bajo, Nelson canta con voz melancólica: «Si es verdad que sólo he cantado sobre recuerdos, entonces habría preferido ser camionero». Tras la grabación del álbum, The Stone Canyon Band lo abandonan.

One night stand

Desde entonces Nelson sólo produjo álbumes insignificantes para MCA y Epic, realizados a base de canciones construidas para gustar a toda costa. Tras la muerte de Elvis, Nelson se unió durante un tiempo al manager Tom Parker, el famoso Coronel, pero sin éxito. Lo mejor de Nelson siguen siendo las viejas 'l'm walking', 'Be-bop baby', 'There'll never be anyone else but you', donde su «alma rock» surge sin vacilaciones, cambios de dirección, ni indecisión. Ricky Nelson murió en De Kalb el 31 de diciembre de 1985 cuando se estrelló el avión en que viajaba a Dallas, Texas para celebrar la Nochebuena....

9 datos poco conocidos de Creedence Clearwater Revival

 

Les dejo esto que venía en la página web de la revista "Classic Rock"... yo ya conocía estos, pero vale la pena leerlos para quienes se inician en esto del rock clásico de los años 60. Saludos: GZ

1. John Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook eran compañeros de colegio y la primera vez que tocaron juntos fue en 1959 bajo el nombre de The Blue Velvets, con Tom Fogerty como vocalista. Llegaron a editar tres singles con este nombre.
2. La banda pasó a llamarse The Golliwogs en 1964, y sacaron unos cuantos singles. Afortunadamente, después de tomarse un descanso porque Clifford y Cook tuvieron que hacer la colimba, estuvieron de acuerdo en cambiarse el nombre otra vez.
3. El nombre Creedence Clearwater Revival no tiene significado como frase, pero sí por separado. La palabra ‘Creedence’ refiere a un tal Credence Newball, que era amigo de Tom Fogerty. ‘Clearwater’ viene de un comercial de televisión de una cerveza. Y ‘Revival’ está ligado al hecho de que la banda regresó en 1967 después de un hiato de tres años, ocasionado por sus ya mencionados años de servicio militar. Casi se ponen Creedence Nuball And The Ruby (aparentemente usaron ese nombre una sola vez).
4. El primer single de Creedence fue ‘Susie Q’, de 1968. Lo que diferencia a este tema de cualquier otro que la banda haya lanzado antes o después, es que es el único single en en alcanzar el Top 40 que no fue compuesto por John Fogerty. ‘Susie Q’ es una canción escrita por Dale Hawkins, quien es reconocido como un pionero de ese swamp rock boogie que inspiró a Creedence
5. Creedence Clearwater Revival logró colocar cinco singles en el puesto número dos del ranking norteamericano. Ningún otro artista consiguió nunca tantos ‘Número 2’ sin llegar al número uno.
6. El título del álbum Cosmo’s Factory viene de que Clifford le decía “la fábrica” a su lugar de ensayo, por la disciplina de trabajo que imponía John Fogerty. A Clifford lo apodaban Cosmo… y ahí tenés el título, “Cosmo’s Factory”.
7. La banda tocó sus primeros shows en el Reino Unido en el Royal Albert Hall de Londres, los días 14 y15 de abril de 1970. Las dos noches abrieron con Born On The Bayou y cerraron con Keep On Chooglin’.
8. Creedence se separó oficialmente el 16 de octubre de 1972 y únicamente se reunieron con la formación original para el casamiento de Tom Fogerty, en 1980. Clifford y Cook han trabajado juntos con el nombre de Creedence Clearwater Revisited, pero la muerte de Tom Fogerty por 'sida' en 1990 terminó con cualquier esperanza de una reunión completa. Y las diferencias actuales entre John Fogerty y el tándem Cook/Clifford impiden que incluso ellos tres vuelvan a tocar juntos.
9. Cuando Creedence Clearwater Revival ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993, John Fogerty se negó a tocar con Cook y Clifford. En su lugar, se presentó con una banda de estrellas que incluía, entre otros, a Bruce Springsteen.

Fuente original: *"Nine obscure Creedence facts" de Malcolm Dome en Classic Rock: http://classicrock.teamrock.com/features/2014-08-22/nine-obscure-creedence-facts 

Tommy James & The Shondells

Les dejo esta completa reseña de este grupo de mediados de los años 60. Agradezco a mi buen amigo Ladislao Martínez por la reseña. Saludos y disfruten de los temas. Atte.: GZ

Tommy James & The Shondells

Entre finales de los años sesenta y principios de los setenta, la música conocida bajo el nombre vagamente despectivo de "bubblegum" constituía el género de mayor éxito en Estados Unidos. El bubblegum había sido pensado para conquistar a su público a un nivel superficial; no tenía la intención de demostrar la habilidad y el valor de los músicos, o de desarrollar su carrera. Así, sus mayores exponentes eran intercambiables y carentes de una personalidad sobresaliente.

Hanky Panky

I'll Go Crazy

Por este motivo, hoy no dice nada un nombre como Tommy James & The Shondells; sin embargo, en el verano de 1966 su single de debut -en realidad grabado tres años antes, con una banda que ya se había disuelto en el momento de la publicación- conquistó el primer puesto en las listas de éxitos estadounidenses y llegó al número 38 en Gran Bretaña. El título era 'Hanky panky', una versión de The Raindrops, grabada por Tommy James (diecisiete años entonces) con un grupo de compañeros de colegio que se llamaba Shondells y publicado por Snap, una compañía independiente de Michigan. Inicialmente el disco fue un fracaso; pero tres años después, un dlsc-jockey empezó a emitirlo reiteradamente, creando un cierto interés en torno suyo.

Roulette Records de Nueva York adquirió los derechos, lo publicó en todo el territorio nacional y vendió más de un millón de copias. Tommy James, nacido el 29 de abril de 1947 en Daytona, Ohio, con el nombre de Thomas Jackson, fue localizado y contratado con la condición de que debía reunir a The Shondells. Los nuevos miembros del grupo eran Eddie Gray (27 de febrero de 1948) en la guitarra, Mike Vale (17 de julio de 1949) en el bajo, Ronnie Rosman (28 de febrero de 1945) en el piano y Peter Lucia (2 de febrero de 1947) en la batería. Después de 'Hanky panky', The Shondells publican 'Say I am (what I am)', un rhythm and blues simple, que en septiembre de 1966 llega hasta el puesto veintiuno de las listas de éxitos.

Además de llevar al grupo a conseguir el éxito masivo, Roulette aseguró a The Shondells un equipo de autores y productores formado por Bo Gentry y Richie Cordell, que modelaron para la banda un sonido melódico y etéreo, uniendo la despreocupación comercial del puro bubblegum con textos simples y de adolescentes. La fórmula produce una serie de éxitos que llegan a las listas americanas en el bienio 1967-1968: 'It's only love', 'Mirage', 'I like the way', 'Gettin' together', 'Out of the blue', 'Get out now', y el más grande de todos, 'I think we're alone now'. Cada uno de estos títulos sustituía al anterior de las listas de éxitos con puntual regularidad, a pesar de que la popularidad del grupo no hubiera llegado a Gran Bretaña, donde Tommy James representaba el modelo de pop ligero y poco serio que merecía ser ignorado (el público inglés se estaba orientando hacia el más comprometido rhythm and blues). James y su grupo aún estaban entre los más originales e innovadores músicos de la escena del bubblegum.

Alguno de sus éxitos trasciende el género al que pertenece, y aún hoy se escucha como una buena pieza pop. 'Mony Mony', por ejemplo, en 1968, convence también a los ingleses de que The Shondells merecían ser escuchados. Escrita por Gentry & Cordell con James y Bobby Bloom (autor de 'Montego Bay'), era considerablemente más sabroso que los anteriores éxitos del grupo: llegó hasta el tercer puesto en USA y al primero en Gran Bretaña.

I Think We're Alone Now

Pero los dos siguientes singles, 'Somebody cares' y 'Do something to me', no responden a las expectativas, y The Shondells deciden intentar el camino de la autoproducción, para tener un mayor control en su material. El período 1968-1970 es, desde el punto de vista creativo, el más fértil en la historia del grupo. James se ha vuelto más arriesgado en el plano de la producción y de los arreglos, pero sin perder el gancho comercial.

Las canciones se hicieron más complejas y más maduras y llevan durante un tiempo la firma de James con Vale o Lucia y más tarde con Cordell o Bob King. La nueva fase empieza en 1969 con 'Crimson and clover', una compleja mezcla de sonidos vocales e instrumentales sobre una melodía etérea; concebido como una pieza de cinco minutos y medio de duración en la edición publicada en el álbum, después se reduce para la versión en single y se convierte inmediatamente en el número uno en las listas de los Estados Unidos y el mayor éxito obtenido por The Shondells.

Mony Mony

Mirage

Its only love

Los siguientes singles muestran un progresivo refinamiento en el sonido y en la producción: en 'Sweet cherry wine', 'Ball of fire', 'Crystal blue persuasion', todos de 1969, James y su grupo dan lo mejor de sí mismos. Por lo que respecta a los álbumes, 'Crimson and clover' fue seguido por 'Cellophane symphony' y 'Travellin'', mientras que 'She' y 'Come to me' prosiguen la serie de éxitos del grupo en singles. James seguramente proyectaba proseguir su actividad en solitario cuando fue sorprendido por una repentina enfermedad; la banda se separa, y The Shondells continúan su actividad bajo el nombre de Hog Heaven, sin conseguir un gran éxito.

De nuevo en activo, James consigue un éxito discreto con 'Draggin' the Line' (llegando al cuarto puesto de las listas de singles en 1971), al que siguen los nada despreciables éxitos de 'Adrienne', 'l'm comin' home' y 'Church street soul revival'. Más tarde, James firmará con Fantasy, dedicándose sin suerte a hacer algunas versiones de Gary Glitter, y después volverá a saborear el placer de estar en las listas de éxitos con un single y un álbum, en 1980, 'Three times in live'.

James se ha convertido en un artista de culto para los propios músicos, que periódicamente graban versiones de sus piezas. Joan Jett, por ejemplo, volvió a llevar al éxito a 'Crimson and clover', mientras que, en 1987, Tiffany llega hasta el puesto número cuarenta y cinco con una versión de 'I think we're alone now'.

Crimson & Clover

The Shocking Blue

Les dejo esta reseña muy completa e interesante, de este gran grupo holandés de fines de los años 60. Saludos y gracias a mi buen amigo Ladislao Martínez por la información. Atte: GZ

The Shocking Blue se formó en 1967 en la ciudad de La Haya en Holanda , la primera formación incluía a Fred de Wilde como cantante, Robbie van Leeuwen a la guitarra, Klaasje van der Wal al bajo y Cornelius van der Beek a la batería.

Su estilo era una mezcla del rock californiano de la época tipo Jefferson Airplane pero matizado por unas melodías pop muy pegajosas.

Robbie van Leeuwen fue el fundador y alma de la banda. Van Leeuwen creció en La Haya escuchando a las bandas inglesas de principios de los 60 como The Hollies, Beatles o los Stones. Su primera banda fue The Motions, con los que tuvo unos cuantos éxitos locales, después de unos pocos años, van Leuwen conoció a de Wilde y decidieron formar Shocking Blue.

Venus

Lucy Brown is back in town

 

Su primer éxito fue “Lucy Brown Is Back In Town” pero van Leuween estaba buscando otra cosa, era un fanático del sonido San Francisco, sobre todo de Jefferson Airplane, el mismo decía que la primera vez que los escucho quedó impresionado por la voz Grace Slick , vocalista de la banda americana. En esa época no era normal que una voz femenina estuviese al frente de una banda de rock y ese sonido era el que quería Robbie para su banda, pero claro, tampoco podía echar a Fred de Wilde.

Fue aquí cuando el destino, la suerte o como le quieran llamar sonrió a Robbie ya que Fred fue reclutado para hacer el servicio militar. Entonces el manager de la banda llevó a Robbie a ver a una cantante que actuaba en clubs locales, una chica llamada Mariska Veres, a Robbie le gustó en cuanto la vio, según decía su estilo vocal era “como oír a Fats Domino, tenía un tono muy melódico”.

Mariska decidió unirse a la banda y todo cambió rápidamente para estos chicos holandeses.

Send Me a Postcard

Acka Raga

Sus primeras grabaciones juntos fueron “Send Me A Postcard Darling” y “Long And Lonesome Road”, que fueron dos éxitos locales, dos buenas canciones y justo después llegó “Venus” y sus vidas cambiaron.

“Venus” es una canción simple con una melodía muy pegajosa, van Leuween se inspiró en “The Banjo Song”, una canción de un grupo folk americano llamado The Big Three. Era su tercera canción juntos y solo unos meses después de haberla editado, en Diciembre del 69, la canción llegó al número 1 en las listas de Estados Unidos y fue un éxito mundial.

Después de “Venus” editaron “Never Married A Railroad Man”, otra gran canción que les mantuvo en los puestos altos de las listas de varios países, lo que les llevó a hacer giras por todo el mundo.

Al mismo tiempo (y muy al estilo de la época cuando un grupo saltaba a la fama) tenían que seguir componiendo y grabando canciones nuevas. En menos de un año editaron tres LPs “Shocking Blue”, “At Home” y “Scorpio´s Dance”.

Canciones como “California Here I Come” o “The Inkpot” seguían siendo buenos temas, pero ya no alcanzaron el éxito de “Venus”. Pero todo no era de color de rosa. Empezaron a tener problemas con su discográfica, si no estaban grabando, estaban de gira por países de todo el mundo y eso con solo tres años de carrera. El primero en abandonar el barco fue Klaasje, el siguiente el mismo van Leeuwen. La banda siguió un tiempo con otro guitarrista.

En 1974 la vocalista Mariska Veres deja el grupo para iniciar una carrera como solista. Su único éxito fue "Take Me High" en 1975. En los 90, Veres formó un grupo llamado Shocking Blue banner, con el permiso de los integrantes de Shocking Blue.

Never merry a railroad man

El 2 de diciembre de 2006, Australian Broadcasting Corporation informó que Mariska Veres había fallecido a los 59 años a causa de cáncer.

Miembros:

• Robbie Van Leeuwen - Guitarra, Coros
• Fred De Wilde - Vocales (En 1968 sería reemplazado por Mariska Veres)
• Mariska Veres - Vocales
• Corn Van Der Beek - Batería
• Klassje Van Der Wal - Bajo

Albums:

* 1968 Beat With Us
* 1969 At Home
* 1970 Scorpio's Dance
* 1971 Third Album
* 1972 Inkpot
* 1972 Live in Japan
* 1972 Attila
* 1972 Eve And The Apple
* 1973 Dream On Dreamer
* 1973 Ham
* 1974 Good Times
* 1986 Best of Shocking Blue
* 1986 Classics
* 1997 Singles A's and B's

Strawberry Alarm Clock

Agradezco a mi buen amigo Ladislao Martínez por esta reseña de este grupo de rock psicodélico de los EUA. Los temas provienen del cd "Strawberries mean love" que recomiendo ampliamente para conocer al grupo. Saludos: GZ

Strawberry Alarm Clock

Grupo californiano de pop psicodélico con rasgos bubblegum y garage inmerso de lleno en el ambiente flower power que reinaba en la segunda mitad de la década de los 60 en la Costa Oeste Estadounidense.

Incense And Peppermints

Birds In My Tree

Anteriormente llamados Thee Sixpence (nombre con el que habían publicado el sencillo "In The Building"), Strawberry Alarm Clock estaban compuestos por el guitarrista Ed King, el bajista Gary Lovetro, el guitarra rítmica Lee Freeman, el teclista Mark Weitz y el batería Randy Seol. 

Consiguieron llegar hasta el número 1 con su primer single, el pegadizo tema "Incense And Peppermints", una canción cantada, curiosamente, por Greg Munford, joven amigo del grupo que no formaba parte de la banda. La cara b del sencillo era la efervescente y garajera "The Birdman Of Alkatrash". 

La grabación del LP, producido por Frank Slay y Bill Holmes, presentó una importante novedad. El bajista George Bunnell se incorporó al grupo y se convirtió en pieza fundamental de los Strawberry Alarm Clock, quienes aprovecharon su gran capacidad para la composición en el estupendo "Incense And Peppermints" (1967), disco repleto de buenas melodías y armonías halladas en canciones como "Strawberries Mean Love", "Rainy Day Mushroom Pillow", "Birds In My Tree" o los dos temas encontrados en el exitoso sencillo. 

Sea Shell

Strawberries Mean Love

Su triunfo comercial les llevó a intervenir y hacer sonar varias de sus canciones en la película "Psych-Out" (1967). En el film, protagonizado por Jack Nicholson, Dean Stockwell y Susan Strasberg, también aparecía el grupo liderado por Sky Saxon, The Seeds. La buena marcha de la banda prosiguió con "Wake Up It's Tomorrow" (1968), otro notable disco en el que incluían los singles "Tomorrow" (número 23) y "Sit With The Guru" (número 65). 

Antes de la grabación del LP el bajista Gary Lovetro ya había abandonado el grupo. Este fue el inicio de una serie de cambios que terminaron por menguar la cohesión artística de los Strawberry Alarm Clock.

Pretty Song From 'Psych-Out'

Su tercer disco grande, "The World In A Sea Shell" (1968), tenía una hermosa portada pero la menor participación en la escritura de Bunnell provocó que su calidad conjunta fuese inferior a sus previos trabajos. La cálida tonada pop "Barefoot In Baltimore" y "Sea Shell" fueron los sencillos del álbum. En el año 1969 dejaron el grupo Bunnell (quien aparece en los créditos como co-autor de muchos temas) y Seol, siendo sustituidos por Jimmy Pitman y Gene Gunnels. 

Tomorrow

Esta nueva encarnación de la banda publicó "Good Morning Starshine" (1969), irregular disco en el que incluían el famoso tema homónimo del musical "Hair". No tuvieron demasiado éxito comercial con estos últimos trabajos y en 1971 decidieron separarse, uniéndose el guitarra Ed King al grupo de rock sureño Lynyrd Skynyrd.

Briseño y el Séptimo Aire

Banda de rock de mediados de los años ochenta formada por el músico Guillermo Briseño en la guitarra, teclados y voz; en el bajo y coros estaba Sabo Romo (antes de Caifanes); Octavio Espinoza ‘El sopas’ en los coros y en el saxofón y la gran Hebe Rosell en teclados, flauta, saxofón y voz.  

Graban y publican un excelente disco LP (que conocí en 2006) titulado “Esta valiendo madres el corazón” con nueve temas llenos de letras sociales y un excelente rock para musicalizar dichas letras. De este disco, destaca el tema El Botellazo, que narra las aventuras del grupo en un concierto en donde les lanzan una botella y descalabran a un integrante de la banda. Otro tema fue el que se hizo en homenaje a Rockdrigo González, fallecido en el terremoto de 1985 en el tema titulado “A Rodrigo, un aplauso en el corazón”. Cabe señalar que en el disco participaron grandes cantantes y músicos de la época del resurgimiento del rock en español como Amparo Ochoa, Tehua, la gran Betsy Pecanins, Eugenia León, Margie Bermejo o Carlos Díaz, estando en el tema homenaje a Rockdrigo.

Cabe señalar que fue la empresa de discos “Comrock” la que publica el disco (si, la misma que lanzó a Kenny and The Electrics) y se promovió, o trató de promover, a través de una de las estaciones que buscó promover el rock en la radio en México, en radio 590 de la AM (a través del entonces programa llamado “Espacio 59”, luego Radio Alicia). Lástima que no pasó a mayores este disco y ojalá se rescaten los masteres de la disquera porque esa empresa grabó muy buen rock y de excelente calidad, y que no se han vuelto a editar desde entonces.

Otro gran tema del disco, fue la versión del grupo al tema del Tri titulado “Violencia, drogas y sexo”, dándole al tema un toque mas bluesero que era todo lo contrario al rock heavy del tema de Lora.

Those were the days

"La historia del "Those Were The Days" por Mary Hopkin, (traducido como 'Que Tiempo Tan Féliz', en vez de 'Aquellos Fueron Los Días', o 'Aquellos Días') "Those Were the Days" fue lanzada el 30 de agosto de 1968, single debut de Mary Hopkin. Es acreditado a Gene Raskin, quien le puso letras en inglés a la canción gitana rusa "Dorogoi dlinnoyu", (que se puede traducir como "Por el largo camino") escrita por Boris Fomin (musica) y letras del poeta Konstantin Podrevskii, entre finales del siglo 19 e inicios del 20 . Igual trata de recuerdos de una juventud romantica e idealista. (otra canción rusa "Darogoi Dli Mayou." grabada por Alexander Wertinsky en los años 20 más que una versión de "Dorogo Dlinnoyu," es otra llamada "Dear to Me." (index)

Historia:  Fué grabada originalmente en 1950 por Annikki Tahtiand, en el idioma de su Finlandia natal. En 1962 Gene Raskin tomó la melodía y escribió las letras en inglés. La canción fué pasando por los días dorados del folk de Dylan Thomas, Paxton, Ochs, y The Clancy Brothers & Tommy Makem. y fué finalmente grabada por los Clancys. Sin embargo obtuvo cierto éxito en los USA por el trio folk The Limelighters Sin duda, Mary Hopkin fué la que hizo la versión más popular en 1968. La grabación de Hopkin fué producida por Paul McCartney (catalogo numero "APPLE 2") y se convirtió en single #1 en el Reino Unido y alcazó el #2 en los USA. Además encabezó el survey de Billboard Easy Listening. El número de catalogo APPLE 2 de "Those Were the Days" de hecho fué el número más bajo que el catálogo de Apple Records usaría en la realización de cualquier single. APPLE 1 había sido nombrado con la intención de ser para los Beatles con el single "Hey Jude".

Pero los Beatles permanecían bajo los términos contractuales de EMI por entonces, así que a pesar que el single "Hey Jude" tenía la etiqueta Apple, fué lanzada como "R 5722" de acuerdo a la secuencia númerica de Parlophone. Ambos singles fueron lanzados simultaneamente, Hey Jude estuvo 9 semanas en el # 1 de USA y Those Were the Days estuvo como # 2 , cuatro de esas 9 semanas.

En las listas británicas incluso el tema de Hopkin sacó del #1 al tema de Los Beatles En Inglaterra, la presentación oficial al público del nuevo sello "Apple Records", fue hecha con un box de sus primeros 4 singles: - "Hey Jude," "Those Were the Days", "Thingumybob" (el tema de un show de TV escrito por McCartney), y "Sour Milk Sea" (la canción cantada por Jackie Lomax, escrita y producida por George Harrison) La versión de Hopkin fué realizada gracias a su éxito en el show de TV para amateurs "Opportunity Knocks" (algo así como "La Oportunidad Llama", lo cual en su caso fué más que justificado). Mary, de 18 años, nativa de Gales, había ganado las tres primeras eliminatorias (de diez) y muchos buenos comentarios, hasta el punto que la famosa modelo "Twiggy" llamó a Paul al respecto ya que los Beatles buscaban nuevos talentos para la compañia de grabación que estaban armando: Apple.

Paul audicionó a Mary Hopkin y quedo impresionado por su voz, asi que recomendo una "canción folklorica norteaméricana" llamada "Those Were the Days". Y es que Paul, como contó luego, había visto al mismisimo Gene Raskin y su esposa interpretar la canción en un club de Londres, en 1966 Una nota curiosa: días después de la audición, antes de la publicación del single, Mary ganó el concurso de TV y recibió un telegrama de los Beatles "Lood Luck and Great Fishes Mary, from John, Paul, George, & Ringo" acompañado de una caja gigante de flores Paul McCartney, quien produjo la sesión y toca la guitarra acústica, también grabó a Mary cantando "Those Were The Days" en otros 4 idiomas para lanzarlos en sus respectivos paises: En España, "Que Tiempo Tan Feliz". En Alemania Occidental "An jenem Tag". En Italia, "Quelli Erano Giorni" y en Francia "Le temps des fleurs". El lado B en UK y en USA fué, "Turn! Turn! Turn!", el tema que Mary había interpretado en el show "Opportunity Knocks" gracias a la colección de folk americano de su padre (el tema habia sido un #1 en USA para The Byrds en 1965). Fue escrito por Pete Seeger (pero con largas citas tomadas del libro biblíco del Eclesisastes).

Al mismo tiempo, el manager de la por entonces popular cantante Sandie Shaw le preguntó si quería grabar la canción "Those Were The Days", sintiendo que esta debería ser hecha por una cantante "real" y no por la protagonista de un show de TV (ver nota 1, al final). La versión de Shaw fué realizada como un single, pero no tuvo el éxito de la versión de Hopkin. Esto dió pie para una rivalidad entre ambas. Mary Hopkin y Sandie Shaw también cantaron la canción en francés, italiano, español y alemán. Todas las versiones de ambas cantantes fueron lanzadas al mismo tiempo, como una competencia entre Hopkin y Shaw, para ver quien se quedaba con el favor del público. Cuando el album de Hopkin "Postcard" fué lanzado en CD las versiones en español e italiano aparecieron como bous track.

Sandie Shaw tiene todas sus versiones re-lanzadas en CDs distintos, separado por idiomas. A mediados de los 70s, después que el contrato de Apple con Hopkin terminara, "Those Were the Days" y "Goodbye" fueron re-grabadas y su esposo Tony Visconti fué el productor esta vez. Solo estas re-grabaciones son las que se pueden conseguir en compilaciones musicales, debido a que Apple nunca permitió que fueran usadas las grabaciones originales. Las presentadas aquí son tomadas de los propios singles de Apple.  

Otras versiones: Son inmensas la cantidad de versiones de esta canción, incluyendo por cierto una cantada por la primera esposa de John Lennon, Cinthia Powell en 1995 (producida por Chris Norman), sin contar las innumerables versiones instrumentales, la han interpretado Chet Atkins, Carol Burnett, Max Bygraves, Dexter Gordon, Robert Goulet, Engelbert Humperdinck, Wanda Jackson, Johnny Mathis, Jerry Vale, The Ventures, Bobby Vinton, Gigliola Cinquetti (versionó la canción en italiano y español), Demon Kogure, Cara Jones, Ground Zero, Karel Gott (versión en alemán "An jenem Tag"), Turisas, Dayna Kurtz. Incluso los artistas de cabaret Kiki & Herb incluyeron la canción en su debut en el Carnegie Hall "Kiki & Herb Will Die for You". El violinista húngaro Jozsef Lendvay, Il Folklorista" (Gigi D'Agostino y Luca Noise), Elena Paparizou (la versión en francés), el artista de baile jamaiquino Shaggy y el cantante vietnamita Ngoc Ha, la versionó en su idioma ("Nhu la thu vang"). En 1968 la versión en francés, "Le temps des fleurs," fué popularizada por la estrella internacional Dalida. (igual la grabó en italiano) y tambien la cantante Vicky Leandros grabó la versión en francés teniendo un inmenso éxito con esta canción en... Canadá, Grecia y Japón. Hasta el punto que la propia Mary Hopkin se presento en Japón en 1970, donde cantó "Those Were the Days" (en inglés) "Goodbye" y algunos temas de los Beatles En 1968 Halina Kunicka la grabó como "To byly piekne dni" (en polaco), y en Suecia, Olle Bergman la tradujo como, "Ja, det var då", siendo grabada tanto por Lena Hansson (3 semanas en las listas) y por Anita Lindblom (7 semanas), creando de paso otra competencia 1969 Shuli Natan grabó una versión en hebreo ("Ka'ele hayou hayamim"), con letras traducidas por Mickey Hartby. Más tarde, Avi Toledano realizó otra versión en hebreo.

También en 1969 Harangozó Teréz grabó la version húngara: "Azok a szép napok", la cual sería versionada en 1989 por la banda húngara "Dolly Roll", pero con diferente letra. Ivan Rebroff hizo una versión rusa de la canción, que llamó "Takiyeh dni, moj drug". (se editó como single y el album "Live" Russische Party del mismo año 69). "The Fifth Dimension" (los de "Acuarius/Let The Sun Shine In") versionaron la canción en su album "The Age of Aquarius" (1969) 1974 - Irena Kohont, cantante eslava, hizo una versión en eslovenio, llamada "To so bili dnevi", incluyendo un vídeo. 1991 los Leningrad Cowboys (rusos) la versionaron para el film corto "Those Were the Days" de Aki Kaurismäki y fué lanzada en 1992 en su album "We Cum From Brooklyn". En 1994 el grupo croata Vatrogasci hizo una parodia ("Ajnc, cvaj draj" en croata) con un arreglo folk rápido. En 2005, aunque no exactamente una versión, 50 Cent usó una versión en guitarra eléctrica de la melodía de "Those Were the Days" en su "When It Rains, It Pours".

En navidades de 1975, el Presidente de la Guinea Ecuatorial, Francisco Macías Nguema, congregó a 150 personas en el estadium nacional y mandó a que las golpearan, mientras hacía que una banda y tocara el "Those Were the Days" de Mary Hopkin. En 2005, Dolly Parton realizó una versión de "Those Were the Days," y el coro lo hizo....Mary Hopkin. Ese año la canción se convirtió en el nombre mismo del album de Dolly Parton. En marzo de 2007, la "United World Chart" clasificó la canción como el 5to. mayor éxito solista femenino de todos los tiempos, detrás de 'Flashdance... What a Feeling' por Irene Cara, 'Believe' por Cher, 'My Heart Will Go On' por Celine Dion y, por supuesto, 'I Will Always Love You' por Whitney Houston. Recientemente (2008) la propia Mary Hopkin grabó de nuevo "Those Were the Days", a 40 años de diferencia.

No tengo información exacta sobre las versiones que se hicieron en América Latina La melodía fue usada por años, aunque con otra letra, por el presentador Silvio Santos en el programa de la TV brasileña el Show de Calouros (un show buscador de talentos) al presentar a Santos y a los jueces Y finalmente, porque la lista sigue, "Those were the days" ha sido adoptada por la liga de futbol inglés del club Huddersfield Town FC, como la canción no oficial del club.

La letra fué modificada a "Those were the days my friend we thought they'd never end We won the league three times in row we won the FA cup, and now we're going up we are the Town - Oh yes we are the Town !" Letra de la canción Once upon a time, there was a tavern Where we used to raise a glass or two Remember how we laughed away the hours, Think of all the great things we would do Those were the days, my friend We thought they'd never end We'd sing and dance forever and a day We'd live the life we'd choose We'd fight and never lose For we were young and sure to have our way La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La Then, the busy years went rushing by us We lost our starry notions on the way If, by chance, I'd see you in the tavern, We'd smile at one another and we'd say Those were the days, my friend We thought they'd never end We'd sing and dance forever and a day We'd live the life we'd choose We'd fight and never lose Those were the days, oh yes, those were the days La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La Just tonight, I stood before the tavern Nothing seemed the way it used to be In the glass, I saw a strange reflection Was that lonely woman really me? Those were the days, my friend We thought they'd never end We'd sing and dance forever and a day We'd live the life we'd choose We'd fight and never lose Those were the days, oh yes, those were the days La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La Through the door, there came familiar laughter I saw your face and heard you call my name Oh, my friend, we're older but no wiser For in our hearts, the dreams are still the same Those were the days, my friend We thought they'd never end We'd sing and dance forever and a day We'd live the life we'd choose We'd fight and never lose Those were the days, oh yes, those were the days La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La La la la la la la La la la la la la La la la la la la (nota 1)

En realidad Mary Hopkin había grabado dos singles EP antes de participar en el programa de TV "Opportunity Knocks". Fueron con el sello local de Gales "Cambrian" y en gaélico LLAIS SWYNOL MAE BOB AWR / YN Y BORE / TAMI / GWRANDEWCH AR Y MOROEDD [CAMBRIAN CEP414] MARY AC EDWARD RHYBETH SYML / CARIAD DAN FYMRON / DRAW DROS Y MOROEDD / Y FORY [CAMBRIAN CEP420] Luego grabó otros singles en el mismo sello 1969 -

MARY HOPKIN ADERYN LLWYD / Y BLODYN GWYN [CAMBRIAN CEP703] 1970 - LLAIS SWYNOL PLESERAU SERCH /T YRD YN OL [CAMBRIAN CEP712] 1971 - O WLAD Y GAN (FEATURING MAE BOB AWR ) [CAMBRIAN MCT 208]

Fuentes: Wikipedia songfacts, varias fuentes Beatles, http://www.maryhopkin.com y http://www.applerecords.com/#!/artists/Mary_Hopkin Particularmente su historia y la de sus canciones, asi como su encuentro con Paul en la sección "Early" Vier Jun. 26 2009".

PD: En México hubo varios covers a este tema, aunque la versión mas recordada fue la de Los Rockin Devils. En España también hubo varias versiones, y en lo personal, me gusta la del grupo Los Sprinters y cuyas portadas anexo a la presente entrada.  Agradezco a mi buen amigo Juan Antonio Salazar por el texto aquí puesto. Atte: GZ